张兴文是画家吗？有人能介绍一下吗？
德·斯塔尔(De Stael)的绘画，1914年出生于俄罗斯圣彼得堡，在从短暂的具象转化为抽象后不久，就获得了画坛的认可。但他在与当代抽象艺术圈保持距离的同时，很快沉迷于抽象创作，表现出令人感动的好品味，被列入巴黎“抽象二代”。画家善于捕捉瞬间的闪光，把具体变成抽象。半个世纪以来，关于他的创作一直有激烈的反应和争论。
保罗·塞尚(1839-1906)出生于普罗旺斯的艾克斯。他的父亲是一名帽子制造商，后来成为一名银行家，这使他一生专注于艺术。在16岁时，他结识了左拉，后者后来成为了一位伟大的作家。三年后，他被提升到大学法律系。他坚持学习艺术，并前往巴黎在苏斯学院学习绘画，与毕沙罗交往。他是南方省份的本地人。他衣着寒酸，相貌丑陋，满口难听的方言。人们认为他没有学习绘画的天赋，虽然他有色彩画家的气质，但他不幸滥用色彩，所以他一直没有被巴黎高等美术学校录取。他回到了艾克斯，他的父亲在他自己的银行里给他安排了一份工作。23岁时，他回到了巴黎的学校。接下来的三年，他几乎每年都送画到官方沙龙，但每年都不成功。后来在毕沙罗的劝说下，参加了1874年的第一次印象派画展。然而，他比其他印象派画家受到了更多的嘲笑和攻击，说他是一个走错路的画家，一个乡村傻瓜和低能儿，一个用驴尾巴画画的人。这次失败使他
塞尚崇拜浪漫主义的德拉克洛瓦，现实主义的库尔贝，以及印象主义的影响，在他的头脑中形成了一种特殊的创造力。他声称要创造一种永恒的艺术，可以像古代大师一样进入博物馆。为了强调质感，他采用了库尔贝用调色刀作画的方法。他还提出用圆柱体、球体和圆锥体来描述物体，它们都表现出透视关系。他还将一个物体或平面的每一个面都指向中心，将景物分解，创造出有重量感、体量感、稳定感和宏伟感的作品，最终达到简化和几何化的效果。
塞尚在新艺术理念指导下创作的绘画作品不仅遭到官方沙龙的拒绝和舆论的抨击，也不被大众所理解。所以没人买他的画。挫折使他的性格更加乖戾。他不能容忍社会压力和虚荣心。当他单纯的自尊心受到阻碍时，他的内心就变得更加痛苦和古怪。他觉得世界上没有人理解他的艺术思想。有时他还会发表傲慢的言论:“我是塞尚，法国在世的最伟大的画家。”
塞尚是一个不被赏识的孤独的艺术探索者，也是一个坚韧而孤独的人。他画画不是为了生活，而是为了画画，甚至不是为了别人，而是为了自己。他死后仅20年就声名鹊起，成为画坛巨星，被誉为现代艺术之父。
乔治·修拉
后期印象派的代表人物。修拉是最早诞生于科学革命的新艺术家——艺术家和科学家。将文艺复兴传统的古典结构与印象派色彩实验相结合。结合最新的绘画空间概念，传统的错觉透视空间和最新的科学发现对色彩和光线的感知。它对二十世纪的几何抽象艺术有很大的影响。
保罗·西内克(1863-1935)是新印象派中点彩派的创始人之一。他主要画风景，也经常用点彩技法作画。
1863 165438+10月11生于巴黎，死于同一个地方1935。我早年是学建筑的，后来转行画画。1884年与g·修拉交流后，开始接受新印象主义理论，成为这场运动的中坚力量。作品充满激情，善用红色为基调。代表作品《航行在圣特罗佩港》和《马赛港入口》明亮和谐，让远方有了秩序感。晚年思想进步，同情社会主义和俄国十月革命。
他是个狂热分子，痴迷于绘画、科学、文学和政治。总之，他热爱他的时间。
他一直是最彻底、最坚强、最开朗的，更像一个布列塔尼水手而不是画家。
他说话又快又急，话语让人无法重复，和蔼可亲的温柔。
他的狂热，斗志，智慧，毅力根本不能说明他的特点，甚至在他最狂热的爆发中，也没有丝毫的自卑和无端的恶意。
他的决心是真实的，他的想法也是不容易的:他不是那种注定要把生活简单化，把不该进入自己小圈子的东西都赶走的人。相反，他有这样的信念，每次接触新事物都会变得活泼，随时准备爬上更高的层次。
不管他的话有多直白，都是出自一颗宽厚善良的心，都是为了真理。开放的精神使他完全同意有各种方法可以达到真理，并承认有时从根本上反对他的研究的合法性。然而，在艺术上，就像在生活中一样，他总是与野心家、伪君子、奉承者和伪装者势不两立。斗争是他生活的一部分，艺术斗争就像社会斗争一样，因为
文森特·梵高(1853 ~ 1890)出生于荷兰赞代特的一个新教牧师家庭。在他24岁之前，他在海牙、伦敦和巴黎的Gupir画店当店员。后来成为传教士，在比利时西南部的博里纳矿区传教。他因同情和支持贫穷矿工的要求而被解雇。在过着极度失望和贫困的生活后，他决定在对艺术的追求中完成自我解放，1880后，他四处求学，向比利时皇家美术学院求教，向荷兰风景画家安东·莫夫学习绘画，但最终决定自学。他克服各种困难，努力按照自己的理解去表达世界。1886之前，他的作品还处于探索期，比如《吃土豆的人》、《纺织工》。1886年，梵高带着弟弟来到巴黎，弟弟是古皮尔画店的高级职员，认识了图卢兹-劳特雷克、高更、毕沙罗、修拉、塞尚，参加了印象派画家的聚会。从而大大拓宽了艺术视野，开始了与以往完全不同的绘画方式，色彩浓烈，色彩明亮。1888年2月，他和高更一起去法国南部的阿尔勒写生作画，为期一年。这是他艺术风格形成的最重要时期。南国强烈阳光照射下的城镇、田野、鲜花、河流、农舍、教堂，让他忍不住一遍又一遍地喊:“亮，亮！”
此时，他和高更已经与印象派产生了分歧，但同时又对表现主义或象征主义产生了浓厚的兴趣。于是有了建立“南方印象主义”或“印象主义分离主义”的计划。后来因为两人关系恶化，高更离开了，梵高在割掉自己耳朵的事件后逐渐分道扬镳。因此，他们没有组成任何团体。1890年，在圣雷米的莫索精神病院长期住院治疗后，梵高回到巴黎，住在瓦兹河畔的奥威尔。他得到了加塞博士的特殊待遇，勤奋作画，包括加塞博士的《潇湘》和奥威尔的《教堂》。然而，1890，10年10月27日，他在与加塞博士发生争执后，突然开枪自杀，结束了自己的生命。
梵高一生留下了丰富的作品，直到他离开后才逐渐被人们所认识。在这些作品中，作者追求自我精神的表达，一切形式都在激烈的精神支配下跳跃扭动。这种艺术对20世纪的表现主义产生了深远的影响，尤其是画家苏丁和表现主义，他们从梵高的作品中汲取了许多重要的原则。他是继伦勃朗之后，荷兰最具世界影响力的画家。然而，在他还活着的时候，a * * *只卖出了1幅画。
《向日葵》1888二月，35岁的梵高从巴黎来到阿尔勒，来到这个法国南部的小城，寻找他的阳光，他的麦田，他的向日葵。梵高创作了很多描绘向日葵的作品。他说:“向日葵是我的东西。”这幅(见《纪念梵高的向日葵》)是最著名的一幅，它现在在伦敦国家美术馆。在伦敦的拍卖会上，梵高的一幅《向日葵》(这幅静物:15瓶中向日葵)被日本人以3990万美元的天价买走，震惊了全世界！
3月30日，1987，《向日葵》以3990万美元成交；
后来在1987 165438+10月11上，《Iris》以5300万美元成交；
后来1990年5月15日《加歇尔博士的雕像》以8250万美元成交。这是艺术品拍卖的最高价！
后来在1998 165438+10月19日，一幅梵高没有胡须的自画像以765438美元+0.5万成交。
“Iris”完成于5月1889。
和向日葵一样，梵高似乎也喜欢画这种植物。
1892年，唐基(梵高的朋友)将这幅画以300法郎的价格卖给了梵高最早的欣赏者之一、评论家奥克塔夫·米尔博。这幅肖像画和其他许多梵高的画一样，在他死后被不断地买卖。
1987 165438+10月11，在拍卖会上，有人出价5300万美元的天价。
《星月之夜》1889年5月8日，梵高来到距离阿尔25公里的圣雷米，在精神病院接受治疗。当时医生允许他白天出去写生。这幅画中的村庄是圣雷米。六月，也就是他住院一个月后，他画了这幅画。据说这幅画是梵高凭记忆和想象画出来的。现存于纽约现代艺术博物馆..
《奥维尔教堂》1890年6月，梵高在奥维尔接受加歇医生的治疗，同时进行创作。这幅画是这一时期的杰作。他描绘了奥维尔最重要的当地教堂。建筑为12，13世纪，融合了罗马式和哥特式风格。直到今天，他还站在那里。
1个月后，梵高自杀了...
《麦田里的乌鸦》“在沃茨河畔奥维尔镇周围的乡村，农田一望无际，起伏不定。每到收获的时候，都会引来一大群乌鸦。这片农田让梵高着迷。虽然精神状况恶化，但他仍然努力工作……”
5月1890，17日，梵高前往离巴黎不远的奥维尔继续治疗。他遇到了一个热爱艺术的医生，住在一家咖啡馆的楼上。起初，他心情很好，与人关系融洽。但没过多久，“悲伤和抑郁”又重新占据了他敏感的心。他画了《麦田里的乌鸦》...
几周后的7月27日，1890，他像往常一样去麦田里画画。“在离他住的地方几百米远的农家院子里的堆肥旁边”，他举起手枪朝胸口开了一枪，但没有击中心脏。他“摇回宿舍”。那天晚上，梵高嘴里叼着烟斗一言不发。第二天，梵高和来看他的西奥聊了聊。
(注:关于梵高自杀当天的情况有很多故事，以上只是其中一个。)
他的遗言是:“悲伤将永远持续。”
梵高死后，他的弟弟西奥非常痛苦。半年后，西奥于6月25日去世，1891。他们一起葬在奥维尔公墓。
虽然高更和梵高的名字都成为了现代表现主义的先驱和极度个性化艺术家的典范，但很难想象他们的个人特征有多大的不同。高更是一个抨击传统观念的人。他的语言刻薄、愤世嫉俗、冷漠，有时还很粗鲁。而梵高则充满了一种对艺术家天真、热情、深沉的爱。在他有了人生经历之后，这份热爱让他成为了一名艺术品经销商，并有了进行理论研究的愿望，之后成为了比利时煤矿区的一名传教士。1880开始学习绘画，后来在布鲁塞尔、海牙、安特卫普学习。他于1886年来到巴黎，在那里他遇到了劳特雷克、修拉、西内克、高更以及最初的印象派成员。梵高在巴黎遇到印象派画家后，他的调色板变亮了。他发现他唯一深爱的是颜色，灿烂而不协调的颜色。他手中的色彩特征与印象派有着本质的不同。即使他使用了印象派的手法，但由于他对人与自然独特的观察能力，他的结论是非婆罗门的。一直都是这样。
梵高的激情来自他生活的世界，来自他认识的人的强烈反应。这绝不是一个原始人或者一个孩子做出的简单反应。他写给弟弟西奥的信是艺术家写的最感人的故事。信中表现出他高度敏感的感知，完全符合他的情绪反应。他敏锐地意识到他正在获得效果，这是通过黄色或蓝色实现的。虽然他的大部分色彩概念都是用来表达他对人和自然的热爱以及他在表达过程中的快乐，但他对深色非常敏感，所以在谈到《夜晚的咖啡馆》时，他说:“我试图用红色和绿色的方式来表达人类可怕的激情。”夜晚的咖啡馆是由深绿色天花板、红色墙壁和不协调的绿色家具组成的噩梦。金黄色的地板呈现垂直透视，以不可思议的力量进入红色背景。反过来，红色背景也与之实力相当地竞争。这幅画是空间的透视和试图摧毁它的侵略性色彩之间不可调和的斗争。结果就是幽闭恐惧症和压迫的可怕体验。作品预示了超现实主义对透视作为幻想表达手段的探索，但没有一种探索能有如此震撼的力量。
梵高的宇宙可以在星夜中永存。这是一种幻觉，超越了拜占庭或罗马艺术家表达基督教伟大神秘的任何尝试。梵高画的爆炸的星星与那个时代的太空探索关系更密切，而不是与神秘信仰的时代。但是，这种错觉是花了很大功夫的准确的笔法造成的。当我们理解绘画中的表现主义时，我们往往会将其与勇敢的笔触联系在一起。是奔放，还是火焰般的笔触，来源于直觉或自发的表现，不受理性思维过程或严谨技法的束缚。梵高画作的独创性在于他的超自然体验，或者至少是超感体验。而这种体验，可以用一个谨慎的笔触来证明。这种笔法就像一个艺术家绞尽脑汁，准确地复制他正在观察的东西。从某种意义上说，是的，因为梵高是一个画出他所看到的东西的艺术家。他看到的是幻象，他也是幻象。《星夜》是一幅既近又远的风景画，这可以从16世纪风景画家勃鲁盖尔的高视点风景技法中看出，虽然梵高更直接的来源是一些印象派的风景画。高大的杨树颤抖着，在我们面前缓缓漂浮；山谷中的小村庄在尖塔教堂的保护下安全地生活着；宇宙中所有的恒星和行星都在“末日审判”中旋转爆炸。这不是对人的最终判断，而是对太阳系的最终判断。这幅作品是1889年6月在圣雷米疗养院画的。第二次精神崩溃后，他住进了这家疗养院。在那里，他的病时好时坏，在意识清醒、情绪饱满的时候，他一直在画画。颜色以蓝色和紫色为主，星星的黄色有规律地跳动着。前景中深绿色和棕色的杨树意味着环绕世界的无边无际的夜晚。
梵高继承了肖像画的伟大传统，这在他同时代的艺术家中并不多见。他对人热情的爱使他不可避免的要画肖像。他像研究自然一样研究人，从最初的素描到他在1890年自杀前几个月画的最后一幅自画像。它忠实地展现了疯狂的人凝视的可怕而紧张的眼神。一个疯子，或者一个控制不了自己行为的人，无论如何也画不出这么有分寸有技巧的画。在不同层次的蓝色中，一些有节奏的线条衬托出美丽的雕塑般的头部和结实的躯干。画中的一切都是蓝色或蓝绿色的，除了深色的衬衫和长着红胡子的头。从头部到躯干再到背景的所有色彩和节奏的组合，以及强调部位的微妙变化，都表明这是一个对造型手段掌握得非常好的艺术家，仿佛梵高在完全清醒时也能记录下自己的精神疾病。
乔治·布拉克(1882-1963)是现代绘画大师，立体派绘画创始人之一。
立体主义抛弃了过去所有的视觉，恢复了绘画的自主性，使绘画成为一种建筑，使对象成为比现实更真实的东西。在这次行动中，布拉克起了主要作用。他带来了比其他所有立体派画家更多的不可简化的具体和精辟的分析，带来了他的任何同伴都做不到的罕见的和谐色彩和优雅流畅的线条。
立体派
立体主义是20世纪最重要的先锋派运动。它不同程度地影响了各种现代主义艺术。立体主义者关心的核心问题是如何在平面屏幕上画出三维甚至四维的立体自然形态。随着20世纪现代科技的发展，“时间”、“空间”等传统的基本概念受到挑战，画家有理由用更适合现代概念的科学规律来表现自然。这个规则是根据物体的结构来重建物体的图像。
“立体主义”一词出现在评论家沃克1908 165438+10月发表的一篇评论《乔治·布拉克》中。从此，“立体主义”成为布拉克和毕加索开创的新艺术风格的代名词，并迅速传遍欧洲，对各国现代艺术的发展产生了深远的影响。
1909才是立体主义的真正开始。立体主义的核心思想是实际物体的实验，人和物是中心；它们所表现出来的形式并不是物体的真实再现，而是把物体一个一个分解后所做出的再现。最后，分解本身获得了优势。立体主义摒弃了传统绘画中对光和空气的表现和描写，摒弃了立体透视，创造了多维的浅透视，运用了许多相交的面(正方形、三角形、半圆形等。)来表示对象。他们同时从多个视点观察被表现的物体，使其背面、侧面等各个方面同时展现在观众面前。按照他们的观点，立体派绘画不仅展示了物体的外在形象，也向人们揭示了关于物体本身的相关知识。
布拉克曾说:“我必须创造一种新的美——这种美在我看来是体、线、块、面、重——并通过这种美表达我的主观感受。”
1907-1911时期，是立体主义发展的早期，即立体主义分析阶段。布拉克和毕加索一起工作，一起创作。他们的作品几乎和仲博的一样。这个阶段的作品主要强调构图的“分析性”特征。他们常常把要描绘的物体“分解”，然后在画布上同时画出物体各个侧面的图像。这些作品看起来像是一堆堆的碎片和脸杂乱地堆在一起；色彩也提纯到单一色调，同时用一些象征性的描述来暗示画面上物体的实际图像。
1912之后，立体主义进入了第二个发展阶段，即综合立体主义阶段。在这个阶段，毕加索在他更自由的创作世界里展示了他充满野性激情的艺术创造力，呈现出一种个人激情的力量。而布拉克则进一步发挥了他敏锐的感觉和大胆的处理，将色彩和肌理的表现力表现得淋漓尽致。他们提出了一个新的观点:他们不是描述客观物体的外观，而是将客观物体本身引入绘画。在这个阶段的一些作品中，也有一些铭文、数字和音乐符号。这些“符号”一方面强调作品的平面性，以此来弱化透视感，同时又给人以客观世界之外的其他联想。后来他们的作品中加入了拼贴，就是在画面上粘贴一些彩纸、旧报纸、木纹纸、电票。这种做法在西方艺术史上是独一无二的，开创了全面表现的先河。这对后来的塔特林等人的创作也产生了重要影响。
彼得·蒙德里安出生于荷兰阿姆斯福德一所教会学校的校长家庭。14岁开始学画，20岁成为当地中学美术老师。
，开始从事学院派和写实派的创作，然后从印象主义、象征主义和后印象主义中吸取养分。直到1911年，他在荷兰见到了毕加索和布。
拉克尔早期立体派作品后，第二年赶到巴黎，开始用立体派的方法作画。起初，人们用最简单的原色，如红、黄、蓝、绿来描述它。
风景。在晚年，他用抽象的平面以积极的方式表达风景。1914年回到荷兰建立de stijl，倡导新造型。(指眼睛)失明
阿德里安把新模式主义作为一种手段，通过这种抽象的符号，他把丰富多彩的自然简化为一种相关的表现对象。他认为:“只有
纯建模可以完成最后的抽象。在造型艺术中，真实性只能通过形式和色彩，以及动态运动的平衡来表现，纯粹的手段是唯一的途径。
提供实现这一目标的最有效方法。”这种想法使他通过直角，通过把色彩简化为原色，并加上黑色和白色，成为一种非全等，
对立的平衡。正如他自己所说:“我一步一步排除曲线，直到我的作品最终由直线和水平线完成，比如形成一个十字。”
分离和彼此分离，直线和水平线是两种对立力量的表现，这种对立的平衡无处不在，控制着一切。"
在蒙德里安1914的画作中，曲线已经消失，纵横结构占主导地位；1919后，通过纵横向构造的动势平缓。
平衡，以及原色的运用，完成了他表达宇宙的理想，达到了天人合一的境界。