绘画的起源和发展

首先，史前绘画

已知最古老的画作位于法国Grotte Chauvet，一些历史学家认为它可以追溯到32000年前。这些画是用红赭石和黑色颜料雕刻和绘制的，主题是马、犀牛、狮子、水牛、猛犸象或狩猎归来的人类。

洞穴壁画在世界各地都很常见，比如法国、西班牙、葡萄牙、中国、澳大利亚和印度。这些画的发现引起了许多关于它们存在目的的不同猜测。一些假说指出，那些画被当时的人认为是绘画可以捕捉动物的灵魂，让它们更顺利地狩猎。

有的假说认为是万物有灵的现象，表达自己对自然的尊重；还有一种假设，人类天生就有自我表现的需求，那些画就是结果；另外，也有观点认为是应用信息的传播。

第二，东西方传统

西方文化以油画和水彩画为主，在形式和题材上有着丰富的传统。东方绘画以水墨和矿物颜料为主，在形式和题材上有着丰富的传统。

三、近代至今

摄影术的发明对绘画产生了巨大的影响。第一张照片出现在1829。几十年后，摄影技术不断进步，被广泛应用，于是绘画原本记录现实世界的功能也受到了挑战。

从65438年到2009年底和20世纪初的一系列艺术活动，包括印象主义、后印象主义、野兽派、表现主义、立体主义和达达主义，挑战了文艺复兴时期对艺术的看法。但是东方艺术和非洲艺术仍然保持着以前的风格，没有受到摄影的影响。

现代艺术和当代艺术的观点与传统艺术的历史价值和观念有很多不同，所以在1960说严谨画风已死。然而，这并没有阻止大多数画家继续把绘画作为他们创作的一部分或全部。

绘画在21世纪的活力和可变性盖过了先前严谨艺术已死的宣告。在一个以文化多元为特征的时代，没有对时代代表风格的认识。艺术家以不同的风格和审美气质继续创作，成就留给市场的评价。

21世纪初，仍在延续的绘画流派有单色绘画、硬派绘画、几何抽象、挪用、超现实主义、摄影现实主义、表现主义、极简主义、抒情抽象和大众艺术；

Op艺术、抽象表现主义、色域绘画、新表现主义、柯拉琪、Intermedia绘画、集合绘画、电脑艺术绘画、后现代绘画、新达达绘画、三维画布绘画、环境壁画、传统人物画、山水画、肖像画、玻璃画动画。

扩展数据:

一.要素

1，亮度

明度是指色彩明度(深度)浅，即亮度高，亮度低。绘画中的一个元素是亮度的感觉和效果。空间中的每一个点都有不同的亮度，在绘画中可以用黑色、白色和中间的各种灰色来表示。

在实践中，画家可以通过并列不同亮度的点来表达物体的形状。反之，如果只用相同亮度的不同颜色，可能只能代表一个图像的形状。绘画的基本技巧将包括几何图案，许多不同的观点和组织(透视)和符号。

举个例子，当一个画家看着一面特定的白墙时，由于阴影和周围物体的反射，每一个点都会有不同的亮度，但理想情况下，即使在一个完全黑暗的房间里，白墙仍然是白色的。因为即使房间里没有灯光，一片漆黑，物体依然存在，没有消失，所以可以证明其理论是正确的。

2、颜色和色调

色彩和色调是绘画的基础，就像音乐中的音高和节奏。颜色是高度主观的，但它的心理效应是可以观察到的，但它的效应可能因文化不同而不同。比如，在西方文化中，黑色代表死亡和哀悼，而在东方文化中，则用白色来代表。

一些画家、理论家、作家和科学家(包括歌德、瓦西里·康丁斯基和牛顿)都提出了他们的色彩理论。而且，语言只能代表一种抽象的颜色。例如，单词red可以代表可见光谱中接近纯红光范围内的光。

就像在音乐中，不同的音乐家对中央C还是C感兴趣？对* * *，有一个共同的定义，但不同的画家对色彩并没有一个公认的定义。对于画家来说，色彩不仅仅分为基本色或衍生色(如红、蓝、绿、棕等。).

作画时，画家用颜料作画，所以画家的“蓝”可能是以下颜色之一:午夜蓝、靛蓝、钴蓝、群青等。色彩的心理和象征意义与绘画技法没有必然联系。色彩可以增加一些潜在的、衍生的意义，所以一幅画的感觉是很主观的。

这部分可以比作音乐。音乐中的音高(比如中心C)类似于绘画中的光，阴影类似于力度，颜色类似于不同乐器的音色。虽然这些可能不会形成一个旋律，但可以在音乐中加入一些不同的内容。

3.非传统元素

现代画家们扩展了绘画，比如拉琪，他是从立体派中衍生出来的。严格来说，不是画。有些现代画家会因为材质的不同而融合不同的材料，比如沙子、水、稻草或者木头。

像让·杜布瓦和安塞姆·基弗这样的作品就属于这一类。也有越来越多的艺术家使用电脑和软件如Adobe Photoshop或Corel Painter在数字画布上绘制颜色，如果需要，也可以在真实的画布上打印。

4.节奏

绘画中的节奏和音乐中的节奏一样重要。如果把节奏定义为“序列中的停顿”，绘画也有它的节奏。这样的停顿可以让想象力参与其中，产生新的创作、风格、旋律和色彩。

这些形式(或任何一种信息)的分布在艺术作品中非常重要，会直接影响作品的审美价值。在审美价值上，知觉的自由流动被视为美。不仅在艺术或科学中，能量的自由流动将提高其美学价值。

二、美学与理论

美学是对艺术和美的研究，是18、19世纪康德或黑格尔等哲学家讨论的主题之一。柏拉图、亚里士多德等希腊哲学家对艺术和绘画也有专门的论述。

在柏拉图的哲学体系中，画家和雕塑家的地位很低。他认为绘画不能描述真实，绘画只是复制了实际的东西，除了手艺没有其他成分，就像鞋匠和铸铁一样。

然而，在达芬奇时期，人们对绘画的认识与柏拉图不同。当时认为“La Pittura è cosa mentale”(绘画是一种精神上的东西)。

康德区分了美和壮丽，并分析了它们的异同。虽然他没有提到绘画，但像约瑟夫·马洛德·威廉·特纳和卡斯帕·弗里德里希这样的画家将他们的概念扩展到了绘画上。

黑格尔认为不能给美下一个普适的定义。在他的美学研究中，他认为绘画、诗歌和音乐是三种“浪漫”的艺术，其中有象征性的和高度智慧的目的。

第三，绘画风格

绘画是捕捉、记录和表达不同创作目的的一种形式，其参与者的数量同样庞大。绘画的本质可以是自然的、标志性的(如静物或风景画)、摄影绘画、抽象画、叙事、象征、情感或政治。

历史上很大一部分绘画都是以精神主题和概念为主导的，从陶器上的神话人物到西斯廷教堂内墙和天花板上的圣经故事场景，都是通过人体本身来表达精神主题。

参考资料:

百度百科-绘画