京剧信息
徽剧是京剧的前身。自清乾隆五十五年(1790)起，原在南方演出的三清、四喜、春台、和春四个徽班相继入京。他们与湖北的艺人合作，同时接受了昆曲、秦腔的一些剧目、曲调和表演方法，吸收了一些当地的民间曲调。通过不断的交流和融合，最终形成了京剧。京剧形成后，开始在清廷迅速发展，直至民国时期获得空前繁荣。
京剧以北京为中心，传遍了世界各地，成为介绍和传播中国传统艺术文化的重要媒介。2010，110，16，京剧被列入“世界非物质文化遗产代表作名录”。
2019 10 2019年2月2日中国戏曲文化周，京剧参与其中[1]。
中文名
京剧
地理标志
没有
批准时间
2006年
非遗产层面
中国非物质文化遗产
遗产类别
传统戏剧
基期
徽商有钱，商业的成功引发了文化消费欲望的激增[2]。随着社会经济的发展和昆山腔的兴起，有很多阶层养家糊口，他们想尽办法为乾隆、峡江、江南征集歌舞，愿意出大价钱包装徽剧的色彩艺术，客观上为徽剧进京创造了条件。统治明清商界五百多年的徽商，以盐商闻名，尤其是黄山歙县，盛产盐商。随着社会经济的发展和昆山腔的兴起，江南、江北的文人、商人兴起了家庭戏。在外国商界崭露头角的徽商也纷纷效仿。一个徽商长期使用的国剧团，被外人称为“徽班”。徽商广储家班，包括古徽州在内的安徽沿江地方戏曲也开始兴盛。他们唱昆曲，因为语言差异没有“调进去”，不经意间唱了一点”。产于安徽省安庆市怀宁县的石牌调最为著名。徽州艺人带着乡音去了扬州，他们得到了家族的庇护和徽商的大力支持。他们或出没于码头街，或被徽商傅家收留。随着技能的发展，乡音渐渐占了上风。
值得一提的是，歙县大盐商江春是一位品位极高的戏曲鉴赏家。他非常喜欢歌剧。家里经常是三四场戏，当天亭台楼阁几百个客人。他把各种知名人物集合在一起，让不同的声音同台互补，让异军突起的徽班有了博采众长的开放格局。“跳”和唱，火的不正常。此时最著名的戏曲家是安庆人，窦在《扬州画谱》中写道:安庆的彩艺最好，建立在地方乱戏之上，所以地方乱戏之间有雇人入班。徽商在商界站稳了脚跟，与戏曲艺术的关系也越来越密切。拥有大量剧作家的“徽州阶层”在新的历史条件下得到进一步发展。
同光十三绝
没有石头就没有课。
京剧产业
石牌是安庆市怀宁县的一个古集镇。“石”字指此处，亦指安庆及其千船。江西、福建、湖北等地的商人都在这里设立了博物馆。当时除了当地居民，石牌过去多是船夫和商人。当生存问题变得更容易时，他们开始建立自己的市场文化。
当时可供演出的戏剧舞台多达800个，不仅有剧场、剧场，还有花台。石牌镇有三个剧场。上镇横街长乐大戏院可容纳600余人，专门为徽调、皮簧班设计。剧场一般在祠堂。祠堂戏楼平时只唱大戏，每年冬季至日节，族里人升官，族里官员士绅过生日，都要请戏班到戏楼里演出。此外，祠堂大修竣工时，还会请全班同学唱戏表示祝贺。《杜居赋》描述:“徽州班失日之美，始于石牌”。说明安庆的安徽班历史上曾有过辉煌，很多著名的京剧前辈都是出自这一带，所以有“无石不成班”之说。
在石牌这个弹丸之地，郝天秀、程长庚、杨月楼等。已经出现了，而且很多都是色彩艺术的佼佼者！”“没有石头(牌)就是没有阶级！“有一段时间广为流传。细心的京剧爱好者很容易发现，京剧唱腔里的很多字发音都和北京话不一样。如果你对安庆方言有所了解，你会发现这些词和安庆方言里的一模一样。
民国初期，安庆有人民大剧院。当时，中国大多数著名的京剧演员都在这里表演。都是带着“朝圣”的心情来到安庆的。大戏剧家曹禺在怀宁石牌镇下车，第一句话就是“我要去朝圣”。从老京剧班出来的人，十天不在安庆演出，不唱连本。当时都被认为是没有前途的“角落”。源于安庆古镇石牌乡的徽剧，走出古镇，走向北京。徽班进京的辉煌历史光环依然笼罩着石牌古镇。安庆是中国较早接受现代文明的城市之一，也是中国历史文化名城。同时，安庆还是世界著名的地方特色剧种黄梅戏的故乡。位于安庆市潜山县的程长庚纪念馆收藏了300多件珍贵实物和图片，再现了京剧的发展和繁荣。此外，还有程长庚故居供戏迷参观。
苏畅街丽苑
慧半北京之行的起点是扬州。出发前，身怀绝技的女演员们必须在张素街的梨园总局集合，讨论出发日程和表演，并在那里一起摆姿势，抖两下袖子，唱几首动听的歌。有时干脆排练几个折子戏，或《花园》或《思凡》，声情并茂，婀娜多姿。一时间，苏唱歌的街道非常热闹。
苏州唱街是老扬州唯一保留下来的与戏班直接相关的街道。盐商许尚志招募苏州昆曲艺人时，扬州第一个昆曲班“老徐班”就在这条街上。
1790年秋，为庆祝甘龙八十大寿，扬州盐商蒋鹤亭(安徽人)在安庆组织了一个名为“三清班”的徽剧团，由艺人高浪亭领衔赴京参加寿宴演出。这个徽班主要唱黄儿腔，也唱昆曲、吹戏、梆子等。，而且是各种剧种并行的戏班。北京的这场生日演出规模宏大。从西华门到西直门外的高梁桥，每隔几十步就搭起一个舞台，南腔北调，汇聚四面八方的音乐，争奇斗艳。或唱弦歌，或摇扇舞衫，前方未停，后方已起，群戏云集，诸艺争胜。在本次艺术大赛中，首次进京的三清徽州班脱颖而出，备受瞩目。三清班的高浪亭是安徽安庆人。他进入北京时只有16岁。他饰演的丹，擅长二泉腔，技艺精湛。“现在看花”叫他:“我是女人，我没有力气。不需要求歌，微笑坐在一起，刻画出女性的表情，差不多就变形了。”
四会班去北京
三清班在北京取得成功后，又有四喜班、河唇班、春台班等安徽班逐渐称霸北京剧坛。这就是所谓的“徽州四班进京”。
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历年京剧跨年晚会的标题
徽州四大班各有所长，有“三庆之轴，四喜之乐，春台之子，春台之子”之说。轴指以连续表演全剧而出名，乐指擅长唱昆曲，子指以武取胜，子指擅长通灵。
在抱丹之风盛行的北京，身手不凡的高浪亭自然备受青睐。到北京后，他接替三清班原班主任余老四掌管班级30余年。同时，他还担任史静戏曲公会组织的“精忠殿”的负责人，通过该机构管理京剧团和剧院，他还成为梨园的领导人。在高兰亭之后，程长庚、徐小祥、杨月楼和刘赶三都担任过这一职务。
到嘉庆初年，徽班已经在京剧舞台上取得了主导地位。据《中国梦》记载:“一个剧场必须用徽班演一出戏”。广德楼、广和楼、三清园、清乐园等最大的剧场也将以徽班为主。接下来的'惠班'，'小班'，'西班'都是混的。"
四大徽班进京演出，拉开了中国京剧200多年波澜壮阔历史的序幕。
北京各种唱腔的艺人，面对徽班无所不能、一丝不苟的艺术优势，无力与之抗衡，大多转向徽班。其中有北师大的著名戏曲家，如米、，加入春台班的湖北著名戏曲家，加入四喜班的湖南著名拔毛人韩晓宇(皮黄)，加入三清班的北京籍京剧演员王全福等。，从而形成了徽州班多种剧种聚集的趋势。因此，在各种戏曲的过程中，徽班逐渐把重点放在了皮黄戏曲的表演上，从“二锅头”到“三锅头”，再到“风搅雪”。
形成和传播
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京剧图片
京剧前身是清初流行于江南地区的徽班，以唱吹调为主，打高音，打黄儿。徽班流动性强，与其他剧种接触频繁，在声腔上相互交流渗透。因此，在发展过程中，它也搬演了许多昆曲，也吸收了罗罗腔和其他杂剧。清乾隆五十五年(1790)，以高浪亭(著名月官)为首的第一支徽州班(三清班)进京参加乾隆八十寿辰庆典演出。《扬州画舫录》载:“高浪亭入京，以安庆花部、京秦二腔，班名三清。”道光二十二年(1842)出版的杨茂建《梦与故事书》也说:“三庆先于四庆。乾隆五十五年皇帝入督铸箱时，称之为‘三庆徽’，是徽班的鼻祖。”吴子舒在《随缘诗注》中更具体地指出，“闽浙总督吴娜拉命浙江盐商、安庆回民祝李。”后来很多徽州班陆续去了北京。著名的班有三清、四喜、春台、和春。虽然和珅创建于嘉庆八年(1803)，晚于三清十三年，但后人仍称之为“徽州四班进京”。
有过很多名字。有:乱弹、春调、黄静、京二黄、皮黄(皮黄)、黄儿(黄儿)、话剧、评剧、老戏、国剧、京剧、京剧。
潜伏期
秦晖合流[3]
清初，京剧舞台上盛行昆曲和京剧(青羊戏)。乾隆中期以后，昆曲逐渐衰落，京腔的兴盛取代昆曲一统北京舞台。乾隆四十五年(1780)，秦腔艺人魏长生从四川进京。魏带双庆班表演秦腔《滚地》《抱娃进屋》。魏长生长相清秀，声音甜美，唱功委婉，做工精致。《滚地板》一出，在北京引起轰动。双清班也被称为“京都第一”。从此京剧开始没落，京剧六大名班，大成班、王宓班、余庆班、余庆班、翠青班、包河班无人问津，纷纷加入秦腔班谋生。乾隆五十年(1785)，清廷以魏长生表演不雅，禁止秦腔进京演出，将魏长生逐出北京。[4]
乾隆五十五年(1790)，三清班入驻北京后(班址在韩家台胡同)，还有四喜、七秀、霓翠、春台、和春、三和、松竹、金玉、大井和等班也在大栅栏地区演出。其中以三清、四喜、河唇、春台最为著名，故并称为“徽州四大班”。[4]
从《汉调》来看，春台班入京时间在乾隆后期之前，作为春台班在京的支柱时就开始了，证明春台班入京时间早于四喜和春。春台坂在百顺胡同。[4]
四喜班在嘉庆初来到北京。徽剧和昆曲同时上演，尤其是昆曲，所以有“新排一个桃花扇，到处散四个喜班”这个班位于陕西巷。[4]
和春班于嘉庆八年(1804)在李铁拐斜街成立。这个班擅长武术。道光十三年(1853)解散。
“徽州四大班”的剧目和表演风格各有所长，故有时被称为“三庆之轴、四喜之乐、春之柄、春之舞台之子”。“徽州四班”除了唱徽州曲调外，还用昆曲、吹戏、四平戏、梆子戏。在表演艺术上，广泛吸纳和借鉴各剧种的长处，融入徽剧。同时，演出阵容整齐，剧目丰富，颇受北京观众欢迎。自从魏长生被迫离京后，秦腔一直不景气。为了谋生，秦腔艺人纷纷加入徽班，形成了徽剧与秦腔融合的局面。在徽琴合流的过程中，徽班广泛吸收了秦腔唱腔和表演的精华，移植了大量的剧本，为徽剧艺术的进一步发展创造了有利条件[4][5]
回汉合流
汉剧流行于湖北，其声腔中的黄儿、西皮与徽剧有关。徽剧和汉剧在入京之前有过广泛的艺术交融。继乾隆末年，我国著名戏曲大师米英进京后，道光(1821)初，我国著名戏曲元老刘莉、王洪贵、、龙德云等人先后进京，分别在徽班的春台、春班演唱。米英最早是因为唱关羽的戏出名的，三清班长程长庚最早教了米英所有的红净戏。刘莉擅长醉酒写吓人的书，扫雪；王洪贵以《让成都》、《击鼓传花曹》闻名；萧声龙德云擅长表演话剧，如《辕门射戟》、《黄鹤楼》等。余三胜，声音圆润，唱功优美，文武双全，以弹《定军山》、《四郎访母》、《卖马为麻》、《摸碑》等老剧而闻名。汉剧演员加入徽剧后，将曲调、表演技巧、剧目等融入徽剧，使徽剧的唱腔日益丰富和完善，唱法和唱腔更具北京语音，易于北京人接受。[4][2]
大破铜网阵白玉堂
道光二十五年(1845)，名堂都是老学生的工头。回汉合流后，湖北西皮调与安徽黄儿调再次互换。徽、秦、汉的合流，为京剧的诞生奠定了基础。[4]
形成期
道光二十年至咸丰十年(1840-1860)，京剧由徽剧、秦腔、汉剧合流，吸收昆曲、京剧之长而形成。其标志之一:调盘完整丰富，超过徽、秦、汉三大剧种中的任何一个。唱腔是板腔和曲牌风格的混合体。声腔主要是黄儿和西皮；二是业务大体齐全；第三，形成了一批京剧剧目。第四，程长庚、余三胜、张二奎是京剧形成初期的代表人物，并称“老学究、三杰”、“三丁家”，即状元张二奎、状元程长庚、探花余三胜。他们在唱腔和表演风格上各具特色，为京剧的主调、西皮、二送上和京剧的形式，以及具有北京语言特色的口语和发音的创造做出了突出的贡献。[4]
在第一代京剧演员中，还有老学生卢生奎、薛、张儒林、、梅兰芳等。萧声龙德云、徐小祥；胡丹西陆、罗乔夫、梅巧玲；丑陋的杨明宇，刘赶三；老聃郝兰田和谭志道；朱婧、马孜、任华脸等。，都有独特的创作来丰富各行各业的声腔和表演艺术。四喜班班长梅巧玲勇敢地突破了青衣与花旦严格分工的旧规，为丹娇的歌唱艺术开辟了新的道路[4]
《同光十三绝》是京剧史上一位著名人物的肖像画，由晚清民间画家沈荣普所绘。他参考了清中叶画家何世奎所画的《京剧十三绝》的人物画形式，选取了清同治、光绪年间京剧舞台上的十三位著名演员(程长庚、卢生魁、张生魁、杨月楼、谭鑫培、徐小祥、梅巧玲、石、于子云、光绪)。这幅画是进化社朱福昌在民国三十二年(1943)获得的。将其还原影印，并附《同光名士十三传》一卷。[4]
成熟期
1883-1918期间，京剧进入成熟阶段，以谭鑫培、王桂芬、孙菊仙为代表。其中，谭鑫培继承了程长庚、余三胜、张二奎等艺术大家的长处，经过创造和发展，把京剧艺术推向了一个新的成熟境界。谭在艺术实践中，博采众长，借鉴昆曲、梆子、大鼓、京剧青衣、花莲、等，融于演唱之中，形成了具有独特演唱艺术风格的“谭派”，形成了“学谭无腔”的局面。20世纪20年代以后，、颜、、、马等都在谭派的基础上发展成为不同的艺术流派。旅居程长庚的艺术家王桂芬，唱腔浓烈忧郁，悲壮悲壮，音色朴实无华，有“虎啸龙吟”的评论。他有“长庚转世”的美誉，因为“模仿可以混淆真相”。孙菊仙，18岁，选择了擅长唱京剧，经常唱票房的吴秀才。36岁后，他加入了程长庚。他很大声，也很舒服。念白不局限于湖广音和中州韵，多采用北京音和北京字，听起来亲切自然。表演大方写实，贴近生活。“老一代后三大师”各有侧重，艺术风格各异。从综合平衡来看，的文武双全势不可挡，他对京剧的艺术造诣和发展远远超过王和孙。光绪年间，谭鑫培被誉为“乐坛之王”，在戏剧界的地位堪比程长庚。[4]
咸丰十年(1861)，京剧开始在宫廷演出。从五月初六到当年年底，有三清班、四喜班、双魁班、洋班(京剧班)演出。光绪九年(1883)，慈禧50大寿，18人，包括章琦琳、杨龙寿、包福山、蔡福禄、严福喜等，被选拔入宫服务，不仅唱歌，还教授京剧，给太监传授技艺。此后，每年都有、、孙菊仙、、王朗仙、、俞、、、、穆等名家进宫服务。由于慈禧热爱京剧，京剧名家频频进宫演出，势头越来越猛。同期，广德楼、三清园、清源园、中和园、文明园每天都有京剧表演，形成了京剧大一统的局面。京剧成熟阶段，除了“老夫子后三杰”之外，还诞生了许唐寅、贾宏林；武生:俞菊笙、杨龙寿；好台词:何家善、黄润福、金秀山、邱贵贤、刘永春等。萧声:王、德君如、陆华云；丹星:、田桂凤、、朱；入选者:王长林、张黑、罗百穗、肖长华、郭春山。这一时期丹教的兴起，形成了丹教与圣教并驾齐驱的趋势。武术家俞菊笙是第一个自立的人。被后人称为“武术鼻祖”。上述名家在继承中创新发展，唱功日趋成熟，将京剧推向了新的高度。[4]
高峰期
从1917开始，涌现出一大批优秀的京剧演员，呈现出各流派蓬勃发展的局面，从成熟阶段发展到鼎盛时期。这一时期的代表人物是梅兰芳和余叔岩。[4]
四位著名的京剧演员
1927，北京顺天时报举办京剧女演员评选。读者投票结果:梅兰芳凭借在《太真传奇》中的角色获得“四大名角”，尚小云凭借在《现代贾女》中的角色获得“四大名角”，程凭借在《红拂女》中的角色获得“四大名角”，荀慧生凭借在《丹青引子》中的角色获得“四大名角”。“四大才子”的出现是京剧繁荣的重要标志。他们创造了各自的艺术风格，形成了梅兰芳的端庄典雅、尚小云的俊朗浑厚、程的深邃委婉、荀慧生的妩媚妩媚等“四派”，开创了京剧舞台上以旦为主的格局。继俞菊笙、杨月楼之后，武术家杨小楼将京剧武术家的表演艺术发展到了一个新的高度，被誉为“戏曲大师”、“武术家大师”。与、、颜、马一起被称为20世纪20年代的“四大学生”。同时，石、王凤青、关大元等也是事业上的杰出人才。20世纪30年代后期，余、严、高相继退出舞台，与马、谭、奚晓波、杨并称“四大学生”。孟晓冬，女，艺术造诣很高，颇有余叔岩教师的艺术风范。[4]
1936年秋，北京高校、中学的京剧爱好者和观众给报社写信，提出要选京剧童星。市府连城社社长张与北平《立言报》社长金达成协议。报社发出通知，接受各界投票，逐日在报纸上公布投票数字，并邀请韵石社几个人监督报社。投票日期规定为半个月，中戏学校和复联城社的负责人，以及《时报》、《实用白话报》、《北京晚报》、《戏剧报》也派人到现场查票。选举的结果是，复联城社的李世防获得了大约一万张选票，当选为“桐陵主席”。卫生部冠军王金璐，亚军叶世昌；丹娇冠军毛世来，亚军宋德柱；洁净角冠军邱诗容，亚军赵德宇；小丑冠军詹师傅，亚军尹锦珍。选后在虎坊桥复联城社举行庆典，当晚在仙峪口华乐剧场举行加冕仪式。李世防和袁世海表演了《霸王别姬》。[4]
童灵当选后，李世防、张君秋、毛世来、宋德珠当选为“四小名旦”，“四小名旦”在长安、新新剧场联合演出《白蛇传》、《四五花洞》以示祝贺。[4]
各种流派，人才辈出，是京剧全盛时期的另一个标志。这一时期，除了杨派()、梅派(梅兰芳)、商派(尚小云)、程派()和荀派(荀慧生)之外，还出现了萧羽派(肖翠花)、宋派(宋德柱)和张派()等流派。旧生缘中的俞派(、)、高派(、)、颜派(、)、马派(、奚晓波)、杨派()、新坛派()；20世纪50年代以后形成的晋派()、侯派()、郝派()和邱派()；《小生行》中的江派(姜妙香)、叶派(叶盛兰)；《老丹行》中的巩派(龚云甫)、李派(李多奎)；叶派(叶)等。与此同时，还有许多京剧演员，如王凤青、孟晓东、石、王、、、、李、等。颜、许碧云、朱、、薛艳琴、新、张卓云、金少梅、毕、秦雪芳、、、童凌志、梁小鸾、吴素秋、赵艳霞、杜金芳等。小生中的金钟仁、茹芙兰、程继贤；郭春山、慈瑞泉、马福禄、张春华等。
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当代著名演员
2010 165438+10月16京剧被列入“人类非物质文化遗产代表作名录”。
名词解释
尺子，中国传统戏曲音乐的一个术语。一般来说是指国剧曲谱中歌词右侧的音阶符号。中国传统民乐以“和、斯、商、迟、公、范、刘”等字作为音阶的符号，相当于西方音乐的“1234567”。传统上，这些符号统称为“尺子”。有些乐谱，只注歌词旁边的板眼(节拍)，不注尺子。有一种乐谱是有工作音阶的，叫做工作音阶乐谱。
华，人
榕树，中国传统戏曲音乐的一个术语。传统上唱歌时，鼓板常按着节拍，强拍都打在板上，所以这个节拍叫板。第二个强拍和弱拍用鼓签击鼓或用手指按拍分别称为中眼和小眼(四拍中，前一个弱拍称为头眼或始眼，后一个弱拍称为尾眼)。合起来就叫板眼。
过门，京剧的一个音乐术语。指唱句之间、唱段之间的间奏音乐。唱句之间常用小门，唱段之间常用大门。但由于板块不同，也有很多例外，没有固定的模式。
挂儿，京剧的一个音乐术语。瓜儿是“果儿”的谐音，指唱段间的大门，泛指华彩乐段。唱句之间的小门不叫挂。
席，京剧的一个音乐术语。指在音乐交流与音乐交流之间起桥梁作用的旋律，称为垫头或小垫头，也称桥。坐垫的旋律较短，一般只有两三拍，起到了承上启下的作用。
星璇，京剧的一个音乐术语。指演员表演动作或对话或独白时的背景音乐。捻线多为曲牌或简单旋律的重复表演，主要起到烘托气氛的作用。
音调是指演员唱歌时的音调。任何用弦乐器伴奏都是根据演员声音的高低自由调音。一般京剧的调式和官腔是适中的，B字唱腔最高，范字最低，俗称帕子调。在同一个剧中，两个主要演员的音调不同，有时他们互相让步，有时他们临时提高(提高)或降低(降低)音调。
调音面部，演员演唱的音高与伴奏乐器(胡琴、笛子等)的音高相同。)，这叫调脸。意思是按“调门”的面唱面调是针对底调的。正常情况下，演员都是唱调子的。
降调，演员的音高比伴奏乐器(胡琴、长笛等)高八度。)，这叫降调。就是按照音调的底音来唱。底部调整用于表面调整。京剧中的一些唱腔，比如娃娃调，经常会被调大。比如音调定高了，演员的声音就没那么好听了。例如，如果音调设置得很低，则乐器的音量太小。所以采用调底的唱法，乐器定高八度，演员唱低八度。
调音是指弦乐器(如、阮)的调音。一般来说，笛子是作为调弦的标准。
b调，京剧的音乐术语。宫池符号中使用的键之一。调弦时，用笛子的“B”音(开五孔，奏高音)调胡琴的“I”音(西皮调外弦的开弦)。b调是京剧的最高音。
巩峥调也叫巩峥调。京剧根据笛子的音高设定胡琴的音调，西皮外弦的音调与笛子的官调相同，称为官调。比官调高一度的叫B调，比官调高半度的叫六字调，下半部的叫六字半调，下二部的俗称卧字调。
兼职是京剧的主要模式之一。略高于正统调，略低于B调。调弦时比笛子略高。
软工调是京剧的一种曲调。略低于正统调，但略高于六字调。调弦时比笛子略低。
六字腔是京剧腔的一种。调弦时用笛子的“六”音(六孔全闭，奏高音)调胡琴的“我”音(西皮调外弦开弦)。六字调低于京剧中正常的声调，声调高低适中。
卧字调也用作挑字调。京剧的主要调式之一。凡声调比六字调低一度以上的，统称为卧字调。
走位，“走位”的由来来自晋剧《白虎鞭走位》中的舞蹈人物；据说因为走路的人怕被人看见，所以晚上经常偷偷摸摸地在墙边、路边走来走去，所以叫“走路”。总的来说，《恶虎村》的黄天霸是最难走的。《夜奔》里的林冲走路时最累，《蜈蚣岭》里的宋武走路时最勤快。
因为在京剧中骑马常常被用鞭子代替，或者作为骑马的象征，用手中的鞭子打完马后，再把打马、回马或跃马等舞蹈动作组合起来就是京剧。[4]
艺术特色
介绍
京剧的舞台艺术经过无数艺术家长期的舞台实践，形成了一套规范的、标准化的节目，在文学、表演、音乐、唱腔、锣鼓、化妆、脸谱等方面相互制约，相辅相成。作为一种创造舞台形象的艺术手段，非常丰富，用法也非常严格。如果不能掌握这些节目，就不能完成京剧舞台艺术的创作，正如京剧在形成之初就进入宫廷一样，它的发展壮大也不同于地方戏。要求它表现的生活范围更广，塑造的人物类型更多，技巧更全面完整，对其舞台形象的审美要求也更高。当然，同时也弱化了它的民间乡土气息，简单粗暴的风格相对较弱。因此，其表演艺术趋向于虚实结合，最大限度地超越了舞台空间和时间的限制，从而达到“以形传神，形神兼备”的艺术境界。表演要求精致细腻，无处不在；要求唱腔悠扬委婉，声音充满感情；武功不是靠勇猛取胜，而是靠“唱武功”。